Кинетичното изкуство - какво е това?

Кинетичното изкуство е една от многото тенденции в съвременното художествено творчество. И не само в изкуството, защото същността на този вид изкуство е „съживяването” на нещо (скулптури, картини или друг състав). В тази статия ще разгледаме подробно какво кинетично изкуство е, когато произхожда, и ще назовем най-видните представители.

термин

Той идва от гръцкия кинетикос, което означава "пуснат в движение". Всъщност задачите, които този тип изкуство си поставя, е да докажат, че не всичко е в равнината и остава неподвижно, дори ако това е въпрос, например, на картина на великия художник. Освен това, в допълнение към движението, в този термин се поставя още едно условие - триизмерност.

Движението в кинетичното изкуство обикновено се разделя на два вида: очевидното и движението. Очевидното се движи от механизми, вятър или от самите наблюдатели. А виртуалното е "измамно движение", което се създава от светлината, налагането на цветове, ъгъла на оглед.

поколение

Кинетичното изкуство, чиято история датира малко повече от век, не е дошло "от празнотата". В края на деветнадесети век, когато титаните като Клод Моне, Едгар Дега и Едуар Мане вече работят, изискванията за изкуство (включително визуалното) започнаха да се променят: движението беше необходимо, „статичният“ вече не впечатли обикновените наблюдатели. Добър пример са картините на Дега: "Танцьорът" и "Портрет на състезателен кон." Вижда се в тях - художникът се опитва да "оспори" традициите и да въведе движение в платна.

В началото на двадесети век, знакът за развитието на кинетичната скулптура на изкуството - "Кинетична конструкция" (или "Постоянна вълна") автор Naum Gabo. Самият Габо вярвал, че неговото творение - първото през ХХ век, което може да се припише на нова посока. По принцип е трудно да не се съглася с него.

Развитието на кинетичното изкуство

По-горе са изброени такива известни в кинетичните изкуства художници като Моне, Дега и Мане. Всъщност, те бяха първите, които наблегнаха на движението върху техните платна. От двадесетте години насам тип творчество Той намери все повече и повече последователи и имаше няколко причини за това: миналата война унищожи много стари вярвания и принципи (включително творчество), нещо ново е необходимо. Също така една от причините е техническият прогрес, който през ХХ век не спира за минута.

Кинетичното изкуство (дефинирано по-горе) през ХХ век съчетава такива неща като сюрреализъм, а по-късно - различни художествени направления. Художниците сега имаха много малко платно и боя, използваха всичко, което можеше да се намери, увеличавайки това не просто визуален ефект, а давайки на творенията си допълнително значение. По-долу анализираме основните фигури на кинетичното изкуство на двадесети, а по-късно - на XXI век.

Мане, Моне и Дега

Първо, нека поговорим за онези, които са на върха в списъка на артистите, работещи в напълно нови стилове и самолети.

Едуар Мане е човек, който винаги е писал на кръстопътя на няколко жанра и стилове. Може би едно от творбите, които наистина разкриват „новата ера на кинетичното изкуство“, е „Le Ballet Espagnol“ (1862). На това Снимката на Мане Той представлява момента, а не статичните действия - той също така показва неяснотата, полу-замъглените цветове и сянката, показващи картината сякаш „дълбоко надолу“.

Друга работа, която си струва да се отбележи в Manet е Le déjeuner sur l'herbe 1863. Отново - светлината е замъглена, показани са контурни сенки, а фигурата във фона е като в движение.

Следващият в списъка е Едгар Дега и както мнозина вярват, той вече е по-радикален в търсенето си от Ман. Mane търси сюжети в раси, танци, изобразяващи напрежение и смелост.

L'Orchestre de l'Opera е едно от най-мощните творби на художника. Той не само разделя платно на няколко планове, като създава движение във фонов режим и показва почти напълно статичен състав отпред. Друга забележителна работа на Дега, наречена Voiture aux 1872.

Между другото, няколко произведения от поло мачове, написани през 1884 г., сред които се откроява Chevaux de Course, впечатли не само творческите бохеми на този период и всички любители на живописта, но и Моне, което ще бъде разгледано по-долу.

Дега и Моне, като представители на кинетичното изкуство, като цяло са много близки по стил и по начина на писане на картините си. От средата на седемдесетте, Моне "опитва" нов стил за себе си - той започва да създава движение в картини за сметка на бързи и понякога не много прецизни удари. Подобен начин не само създава усещането за движение в картината, но също така и вибрация. Например: Le Bateau-Atelier su Seine или Lazare Gare .

Огюст Роден

Този художник беше много впечатлен от трите споменати по-горе и първоначално следва техния стил на рисуване. Като критик и историк на изкуството, той публикува няколко статии, в които подкрепя Моне и Дега, теоретично се опитва да оправдае експериментите си. Именно в тези теоретични творби Роден пише, че Моне и Дега създават върху платната илюзията за реалния живот с цялото си движение.

През осемдесетте години на XIX в. Роден започва да преразглежда възгледите си за живописта и стига до извода, че обществеността все още не е готова да възприеме движението в картините, тъй като на първо място картината е статична.

И дори по-късно, до края на века, скулпторът отново е надценил своите възгледи, а Роден отново се втурнал към опитите да се внесе движение в изкуството. Всъщност, за което те започнаха да критикуват силно скулптора в края на живота си. Но точно това направи Родин, когото познаваме сега, новатор и в много отношения основателят на съвременната скулптура.

Сюрреалисти от 20-ти век: Глазери, Поллок и Бил

Името на Глазес е от ключово значение в края на деветнадесети век и началото на ХХ век. Неговите теоретични произведения за кубизма, започвайки от десети, стават основни за всички онези, които по един или друг начин имат отношение към модерното изкуство.

Глазес подчертава задължителния ритъм на картината, който би трябвало да бъде показан поради неяснотата на формите и неяснотата на цветовете. Главният акцент на всяка работа, както вярва Глийс, трябва да бъде направен върху движението, а всичко останало не е нищо повече от фон.

Много интересен по стил беше Поллок, който бил известен с методите си на работа. Той напръсква боя, понякога вече на готовата работа, за да „информира” движението на боята с петна от боя. Много често той експериментира с материалите, с които трябваше да работи. През 1947 г. той рисува картината "Катедрала" с алуминиева боя, а след това почти пръска платно с помощта на пръскане. Полок вярва, че по този начин дава свобода на изкуството и всички материали, които създават това изкуство. Така художникът разбира кинематиката, т.е. движението, върху платното. Поллок имаше значително влияние върху работата на втората половина на ХХ век.

Следващото име е Макс Бил, който през 1930 г. е подложен на най-силното влияние на новото изкуство и не може да го остави до края на живота си. Бил се показа не само като художник, но и като скулптор, архитект и дизайнер. Сред най-добрите му творби са "Строителство с окачен куб", дизайн наречен "Улм фронт" и тройната колона в Щутгарт.

Мобилни скулптури или кинетично изкуство от 20-ти век

Макс Бил в много отношения положи основите на една нова мисъл от двадесети век. Според изследователите именно той е дал на скулптурата свободата на движение в голям обем. В този раздел ще говорим за последователи на Бил: Татлин, Родченко и Кодър.

Владимир Татлин - той е създател на скулптурата, която ще се превърне в символ и визитка на целия световен конструктивизъм и авангард. Разбира се, става въпрос за „Проект на паметника на Третия интернационал“.

Някои критици наричат ​​Татлин само продължението на идеите на Пикасо. Татлин е много известен и със споровете си с Малевич, който винаги е настоявал, че формата и цветът са в основата на творчеството. Татлин обаче държеше позицията, в която основата на всичко беше докосване.

Александър Родченко във връзка с неговата работа той развива следното кредо: изкуството е преди всичко изобретяването на нови форми и възможности. Необходимо е да го разглеждаме като голям експеримент, където всяка работа е минимална от гледна точка на живописност и ограниченост в изразителност. Родченко е известен и в Съветска Русия като един от най-големите фотографи.

Александър Кодър, преди всичко, е свързан със сложни скулптури от тел и сложни системи, които също са задвижвани от различни механизми или под влиянието на вятъра (т.нар. "Кодерска мобилизация"). Неговите скулптури сега стоят в много градове на Европа и Америка. Например: Стабилен човек, който се намира в Монреал.

Виртуално движение

От средата на ХХ век новото изкуство напълно привлече вниманието на публиката. Напълно нови форми, идеи, както и развитието на технологиите - всичко това позволява на художниците да не се срамуват да избират средствата за предаване на емоции и чувства.

След Кодлър, Татлин и Родченко, Виктор Вазарели се обяви много силно. За своето време (това е средата на ХХ век) Вазарели привлича вниманието с виртуалността на своите произведения. Той не се страхуваше да се опита да съживи работата си за сметка на интерактивно, използвайки електричество. Едно от най-известните му творби е Горд / Кристал.

Понятието "очевидно движение" и опт

Очевидното движение е един от компонентите на кинетичното изкуство. Описанието и изпълнението на много произведения, свързани с развитието на технологиите, този вид движение е станало не само популярно, но и повсеместно. А терминът "оп-арт" е актуализирана концепция за "виртуално движение" или "оптично движение". За да направят това, те използват не само бои и различни материали, но и огледала, лабиринти, махала и много други.

Сред най-изтъкнатите представители, които използват и пропагандират изкуството са: Бриджит Райли, Яков Агаом, Исус Рафаел Сото и много други.

Съвременното кинетично изкуство

През 2013 г. през месец ноември се проведе световна изложба под надслов “5000 движещи се части”. Показани са творби на Артър Гансън, Ан Лили, Рафаел Лозано-Емер, Джон Дъглас Пауърс и много други съвременни художници. Елементи на компютърната графика, огледални лабиринти, светлинни и звукови предавания - сега такива неща могат да бъдат намерени навсякъде, където става дума за такова нещо като кинетичното изкуство. Историята е интересна и фактът, че преди век и половина се е възприемал като нещо несериозно, влезе в ежедневието ни. В края на краищата, тези, които сега се наричат ​​художници, не само създават "на призива на сърцето", но и проектират, създават проекти и дизайн.

заключение

Художествената работа вече не е просто четки, бои и платна. Това са цели композиции, в които използват електричество, светлина, звук, различни механизми. В тази статия разграничихме какво е кинетичното изкуство в живописта, проследихме развитието на тази посока от деветнадесети век до наши дни.